So erstellen Sie ein Storyboard für ein Video: Ein praktischer Leitfaden

So, was bedeutet es eigentlich, ein Video zu storyboarden? Im Kern zerlegst du dein Skript in einzelne Szenen und skizzierst dann jeden Schlüsselmoment. Stell es dir wie ein Comic vor, der die Geschichte deines Videos erzählt. Dieser visuelle Plan ist der Ort, an dem du Einstellungsdetails, Kamerawinkel und Notizen festlegst, um die gesamte Produktion bevor du überhaupt ans Aufnehmen denkst, zu leiten. Es ist der essenzielle Bauplan, der dein gesamtes Team auf eine Linie bringt und deine Vision zum Leben erweckt.

Dein Bauplan, bevor du filmst

Stell dir ein Storyboard als den architektonischen Plan für dein Video vor. Du würdest kein Haus ohne Bauplan bauen, oder? Die gleiche Logik gilt hier. Du solltest nicht einfach mit dem Filmen beginnen, ohne einen soliden visuellen Leitfaden. Diese Abfolge von Zeichnungen, gepackt mit unterstützenden Notizen, plant dein Video Einstellung für Einstellung aus und verwandelt abstrakte Ideen aus einem Skript in einen konkreten, teilbaren Plan.

Die wahre Stärke eines Storyboards liegt darin, dass es dich zwingt, Klarheit zu finden. Es lässt dich entscheidende Entscheidungen früh im Prozess festlegen, was dir hilft, teure Fehler und vage Entscheidungen auf dem Set zu vermeiden. Wenn du den visuellen Fluss vor dir ausgebreitet siehst, kannst du leicht Probleme im Tempo, ungeschickte Übergänge oder Lücken in der Erzählung erkennen, die ein einfaches Skript nie enthüllen würde.

Warum jedes Storyboard für Creator essenziell ist

Es spielt keine Rolle, ob du ein Solo-Creator bist, der dein nächstes virales Video filmt, oder ein Marketing-Team, das eine hochbudgetierte Werbung produziert – die Vorteile sind universell. Ein gut gestaltetes Storyboard dient als die einzige Quelle der Wahrheit für das Projekt und stellt sicher, dass alle vom Regisseur bis zum Cutter aus demselben Spielbuch arbeiten. Diese Abstimmung ist das, was eine Produktion reibungslos laufen lässt.

Zum Beispiel hilft ein Storyboard deinem Team:

• Das Endprodukt zu sehen: Es gibt allen einen greifbaren Vorschau des Looks und Gefühls des Videos, was es viel einfacher macht, Buy-in von Kunden oder Stakeholdern zu bekommen.
• Produktionsbedürfnisse zu planen: Du kannst Panel für Panel durchgehen und jedes einzelne Requisit, jeden Ort, jede Beleuchtungseinrichtung und jedes Kamerazubehör identifizieren, das für jede Einstellung benötigt wird. Keine Überraschungen.
• Klar zu kommunizieren: Es ist das ultimative Tool, um die Lücke zwischen geschriebenen Worten und visueller Umsetzung zu schließen und Missverständnisse zwischen den Crew-Mitgliedern dramatisch zu reduzieren.

Diese proaktive Planung spart eine atemberaubende Menge an Zeit und Geld auf der langen Strecke. Nachdrehs sind Budgetkiller, und ein Storyboard ist deine beste Versicherungspolice gegen sie. Indem du Probleme zuerst auf Papier (oder einem Bildschirm) löst, machst du den gesamten Produktionsprozess effizienter.

Ein Storyboard geht nicht nur ums Zeichnen; es geht um Problemlösung. Es ist der günstigste, schnellste Weg, um zu testen, ob deine Geschichte visuell funktioniert, bevor du einen einzigen Dollar in die Produktion investierst.

Kern-Elemente eines effektiven Storyboards

Jedes einzelne Panel in deinem Storyboard sollte als Mini-Anleitung für eine spezifische Einstellung fungieren. Während der Stil von einfachen Strichmännchen bis zu detaillierten Illustrationen reichen kann, enthält ein professionelles Storyboard immer ein paar Schlüsselteile, um sicherzustellen, dass nichts in der Übersetzung verloren geht. Diese Details geben deinem Team den Kontext, den sie brauchen, um deine Vision perfekt umzusetzen.

Um dir ein klareres Bild zu geben, hier eine kurze Übersicht über die essenziellen Informationen, die jede Skizze begleiten sollten.

Essenzielle Storyboard-Elemente auf einen Blick

Durch diese Elemente verwandelst du dein Storyboard von einer einfachen Sammlung von Zeichnungen in ein mächtiges Produktionstool.

Dieser Prozess ist absolut grundlegend in der breiteren Welt der kreativen Produktion, insbesondere in der Animation. Der globale Animationsmarkt ist auf dem Weg, $400 Milliarden bis 2025 zu erreichen, und Storyboarding ist eine Eckpfeiler-Praxis, die sowohl Effizienz als auch Erzählqualität in dieser massiven Branche antreibt. Du kannst mehr über das Wachstum der Animationsbranche auf Vidico.com erfahren.

Dein Skript Frame für Frame zum Leben erwecken

Hier beginnt die Magie wirklich. All diese Worte, die du sorgfältig in deinem Skript gestaltet hast, werden zu tatsächlichen, sichtbaren Momenten. Und keine Sorge, du musst kein Künstler sein. Strichmännchen und grundlegende Formen sind deine besten Freunde – das Ziel ist klare Kommunikation, nicht ein Meisterwerk.

Zuerst einmal: Du musst dein Skript visuell auseinandernehmen. Lies es mit dem Hut eines Regisseurs durch. Deine Aufgabe ist es, jeden einzelnen Schlüsselmoment, jede emotionale Verschiebung und jeden kritischen Beat zu identifizieren, den du dem Publikum vermitteln möchtest. Jeder dieser Momente bekommt sein eigenes Panel im Storyboard.

Deine Szenen zerlegen

Ein toller Einstieg ist, jeden Satz in deinem Skript als potenzielle Kameraperspektive zu behandeln. Greift dein Charakter nach seinen Schlüsseln auf dem Tisch? Das ist eine Einstellung. Schaut er mit einem überraschten Ausdruck auf? Das ist eine weitere Einstellung. Du erstellst im Wesentlichen eine visuelle Roadmap, die deiner Erzählung eins zu eins folgt.

Versuch das: Nimm einen Textmarker und geh dein Skript durch, markiere jedes Aktionsverb und alle wichtigen emotionalen Hinweise. Dieser einfache Trick zwingt dich, die Kernvisuelleninformationen zu identifizieren, die du absolut zeigen musst.

• Aktion: Ein Charakter spurtet über eine belebte Straße.
• Emotion: Ein Charakter blickt ungläubig nach oben.
• Enthüllung: Die Kamera kriecht über den Boden, um einen versteckten Hinweis zu enthüllen.

Indem du das tust, übersetzt du das Was deines Skripts in das Wie deiner Visuals und bereitest dich perfekt auf den nächsten Schritt vor.

Wie ein Regisseur denken mit Kameraperspektiven

Nun, da du deine Schlüsselmomente kartiert hast, ist es Zeit zu entscheiden, wie das Publikum sie tatsächlich sieht. Das geht alles um Kameraperspektiven und -winkel. Das sind nicht nur technische Entscheidungen; sie sind mächtige Tools, um die emotionale Reise des Zuschauers zu formen.

Deine Kamera ist dein Erzähler. Eine Nahaufnahme zieht uns in die intimen Gedanken eines Charakters, während eine Weitwinkelaufnahme eine großartige Szenerie etablieren oder jemanden vollständig isoliert wirken lassen kann. Jede Einstellung erzählt ein Stück der Geschichte.

Überleg dir, wie du verschiedene Einstellungen einsetzen kannst, um eine einfache Szene dynamisch wirken zu lassen. Ein Gespräch zwischen zwei Personen kann allein durch Wechsel der Kameraperspektive aufgewertet werden.

Essenzielle Einstellungstypen, die du kennen musst:

• Weitwinkelaufnahme (WS): Das ist deine Etablierungseinstellung. Sie zeigt die gesamte Szene und sagt dem Publikum, wo wir sind. Perfekt, um einen neuen Ort einzuleiten.
• Mittelaufnahme (MS): Rahmt normalerweise einen Charakter von der Taille aufwärts ein. Sie ist der Allrounder für Dialogszenen, da sie Körpersprache und Ausdrücke gut einfängt.
• Nahaufnahme (CU): Füllt den Bildschirm mit dem Gesicht eines Charakters oder einem Schlüssobjekt. Das ist dein Go-to für das Hervorheben starker Emotionen oder entscheidender Details.

Lass uns das in die Praxis umsetzen. Stell dir eine Szene in einem Café vor. Du könntest mit einer Weitwinkelaufnahme beginnen, die zwei Personen inmitten des Trubels zeigt. Wenn das Gespräch intensiver wird, schneidest du zu einer Mittelaufnahme, um ihre animierten Gesten zu fokussieren. Schließlich, wenn ein Charakter eine herzzerreißende Zeile sagt, schiebst du in eine Nahaufnahme, um eine einzelne Träne einzufangen.

Diese Abfolge zeigt nicht nur, was passiert; sie leitet den Fokus des Publikums und baut emotionale Tiefe auf, Frame für Frame. Das Erlernen, wie man ein Video storyboards, geht wirklich darum, zu lernen, wie man mit der Kamera eine Geschichte erzählt, eine bewusste Entscheidung nach der anderen.

Deine Tools wählen: Digitale vs. traditionelle Methoden

Also, wie baust du das Ding eigentlich auf? Die erste große Entscheidung ist, ob du old-school mit Stift und Papier gehst oder in die digitale Welt springst. Diese Wahl setzt wirklich den Ton für deinen gesamten Workflow.

Es gibt etwas Unwiderstehliches Befriedigendes an der klassischen Methode. Einen Bleistift und einen Stapel Papier zu greifen, gibt dir eine direkte, taktile Verbindung zu deinen Ideen. Es bist nur du und die Seite, ohne Software-Oberfläche oder Benachrichtigungen, die im Weg sind. Du bist frei zu skizzieren.

Für viele Creator, besonders beim Einstieg, ist die Einfachheit traditionellen Storyboardings ihr größter Reiz. Es kostet fast nichts, jeder kann es machen, und es gibt keine technische Lernkurve. Der Fokus liegt rein auf der Geschichte. Der Nachteil? Änderungen können schnell unordentlich werden, und das Teilen deiner Arbeit mit einem Team bedeutet normalerweise einen umständlichen Prozess mit Scannen, Hochladen und Versenden von Dateien.

Der Aufstieg des digitalen Storyboardings

Hier kommen digitale Tools wirklich zur Geltung und sind zum Standard für die meisten modernen Produktionen geworden. Plattformen, die für Storyboarding entwickelt wurden, bringen eine Stufe an Geschwindigkeit, Flexibilität und Zusammenarbeit, mit der Stift und Papier nicht mithalten können. Musst du ein paar Szenen umsortieren? Ein einfaches Drag-and-Drop. Willst du einen anderen Kamerawinkel ausprobieren? Ein paar Klicks, und du bist fertig.

Diese Effizienz ist der Grund, warum der Markt für diese Tools boomt. Der globale Markt für Storyboarding-Software wurde 2023 auf rund USD 165 Millionen bewertet und soll bis 2032 fast USD 300 Millionen erreichen. Dieses Wachstum ist kein Zufall; es ist eine direkte Reaktion auf die endlose Nachfrage nach Inhalten von Streaming-Diensten und Social Media, die einen viel schnelleren Pre-Production-Pipeline erfordert. Du kannst tiefer in diese Storyboarding-Software-Markttrends von Dataintelo eintauchen.

Das beste Tool ist das, das dir aus dem Weg geht und dich die Geschichte fokussieren lässt. Ob das ein Wacom-Tablet oder ein einfaches Notizbuch ist, wähle die Methode, die sich am natürlichsten für deinen kreativen Prozess anfühlt.

Diese Infografik zeigt die Kernunterschiede auf, die du in Setup, Teamarbeit und Kosten bei der Vergleich der beiden Ansätze antriffst.

Wie du siehst, gewinnen digitale Tools klar in Geschwindigkeit und Zusammenarbeit, aber du kannst den niedrigen Einstiegskosten traditioneller Methoden nicht schlagen.

Welche Methode ist die richtige für dich?

Also, was ist der richtige Anruf? Deine Entscheidung sollte wirklich auf drei Dingen beruhen: der Komplexität deines Projekts, dem Setup deines Teams und deinem Budget.

Wenn du ein Solo-Creator bist, der an einem einfachen YouTube-Video arbeitest, könnte ein Skizzenbuch perfekt sein. Es ist günstig, einfach und lässt dich deine Ideen auf Papier bringen, ohne dich in Software zu verheddern. Es ist eine fantastische Möglichkeit, zu lernen, wie man ein Video storyboards, ohne eine große finanzielle Verpflichtung.

Aber wenn du Teil einer Marketing-Agentur oder eines remote Teams bist, das mehrere Kundenprojekte managt, wird digitale Software fast essenziell. Die Fähigkeit, dass jeder das Storyboard in Echtzeit ansehen, kommentieren und bearbeiten kann, ist ein Game-Changer für die Zusammenarbeit.

Hier sind ein paar Szenarien, über die du nachdenken kannst:

• Schnelles Social-Media-Content: Digitale Tools mit Vorlagen und vorgefertigten Assets helfen dir, Ideen viel schneller zu produzieren.
• Detaillierte animierte Kurzfilme: Ein Hybrid-Ansatz funktioniert oft am besten. Du könntest deine initialen groben Skizzen auf Papier machen und sie dann in ein digitales Programm scannen für Aufräumen, Färben und Verfeinerung.
• Ein großes Kunden-Pitch: Ein poliertes, professionell aussehendes digitales Storyboard wird einen viel stärkeren Eindruck machen als ein Haufen Bleistiftskizzen.

Um dir zu helfen, die Vor- und Nachteile klarer abzuwägen, hier eine Gegenüberstellung.

Digitale vs. traditionelle Storyboarding-Vergleich

Diese Tabelle zerlegt die Schlüsseldifferenzen, um dir zu helfen, die beste Storyboarding-Methode basierend auf deinen Projektbedürfnissen, Budget und Zusammenarbeitsstil zu wählen.

Letztendlich musst du nicht nur eine wählen. Viele erfahrene Profis, die ich kenne, verwenden einen Hybrid-Ansatz. Sie beginnen mit Brainstorming per unordentlichen Bleistiftskizzen, um die Kernideen und den Fluss festzulegen, dann übertragen sie alles in eine digitale Plattform wie Storyboarder oder Boords, um die Panels zu verfeinern, detaillierte Notizen hinzuzufügen und die finale Version mit dem Team für Feedback zu teilen.

Dein Storyboard auf das nächste Level heben

In Ordnung, du hast die grundlegenden Szenen skizziert. Die Geschichte ist da. Aber jetzt ist es Zeit, sie wirklich zum Leben zu erwecken und die Art von professionellem Detail hinzuzufügen, die ein gutes Storyboard von einem großartigen unterscheidet. Stell dir diesen nächsten Schritt als Hinzufügen einer visuellen Grammatik vor, die dein gesamtes Produktionsteam instinktiv versteht.

Wir gehen über das bloße Was in einem Frame hinaus zu Wie es passiert. Hier injizierst du Bewegung, Emotion und filmisches Flair direkt auf die Seite.

Zeigen, nicht nur erzählen: Bewegung und Aktion anzeigen

Deine Zeichnungen könnten statisch sein, aber dein Video sicher nicht. Die Verwendung einfacher Bewegungsindikatoren ist absolut notwendig, um zu zeigen, wie Charaktere und Objekte in der Szene bewegen. Sogar ein paar gebogene Linien, die einem laufenden Charakter folgen, können sofort Geschwindigkeit und Richtung kommunizieren. Es ist ein simpler Trick, aber unglaublich effektiv.

Und was ist mit der Kamera? Hier werden Richtungs-Pfeile zu deinen besten Freunden – sie sind eine universelle Sprache auf jedem Set.

• Schwenks & Neigungen: Verwende einen geraden oder gebogenen Pfeil, der nach links/rechts zeigt für einen Schwenk oder nach oben/unten für eine Neigung. Das sagt allen, dass die Kamera von einem festen Punkt aus pivotiert.
• Zooms & Dollies: Ein Pfeil, der in den Frame zeigt, bedeutet Zoom rein oder Dolly vorwärts. Ein Pfeil, der raus zeigt, bedeutet das Gegenteil.

Diese visuellen Hinweise sind grundlegend für die Planung dynamischer Einstellungen und verhindern einen statischen, langweiligen Finalcut.

Das Ziel ist, jedes Panel zu einer Mini-Regisseur-Notiz zu machen. Indem du Kamera- und Charakterbewegungen anzeigst, zeichnest du nicht nur eine Szene; du choreografierst sie.

Farbe und Komposition mit Absicht nutzen

Du musst kein Meisterkünstler sein, um Farbe effektiv zu verwenden. Manchmal reicht ein einziger Farbwasch, um die Stimmung zu setzen. Ein Spritzer Blau kann einen trüben Ton oder eine Nachtszene signalisieren, während ein warmes Gelb oder Orange sofort ein Gefühl von Glück oder einem hellen, sonnigen Tag erzeugen kann.

Über die Farbe hinaus, denk an deine Einstellungskomposition. Die Anwendung eines klassischen Prinzips wie der Drittelregel kann einen großen Unterschied machen. Statt dein Subjekt genau in die Mitte zu setzen, versuch, es auf eine der Schnittlinien eines 3x3-Gitters zu platzieren. Es ist eine einfache Verschiebung, die deine Einstellungen ausgewogener und professioneller wirken lässt und den Blick des Zuschauers natürlich dorthin lenkt, wo du es möchtest.

Diese Stufe an Detail zu erreichen, ist einfacher denn je, dank moderner Software. Der Storyboarding-Software-Markt hat 2024 eine massive $1,97 Milliarden erreicht, eine Zahl, die widerspiegelt, wie entscheidend diese Tools geworden sind. Mit Features wie 3D-Visualisierung und Echtzeit-Zusammenarbeit können wir unsere Projekte mit einer Raffinesse vorvisualisieren, die vor ein paar Jahren unmöglich war. Du kannst mehr Daten über das Wachstum des Storyboarding-Software-Markts finden, wenn du an den Trends interessiert bist. Es ist klar, dass die Branche voll auf bessere Planungstools setzt.

Dein Storyboard teilen für bessere Zusammenarbeit

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Dein Storyboard ist viel mehr als eine persönliche Roadmap – es ist das zentrale Kommunikationstool, das dein gesamtes Team auf eine Linie bringt und die entscheidende Kundenfreigabe sichert. Sobald du deine Panels skizziert hast, beginnt die echte Magie, wenn du sie für die Überprüfung vorbereitest. Hier fangen deine statischen Zeichnungen an zu atmen und sich wie ein echtes Video anzufühlen.

Eine fantastische Möglichkeit, den Rhythmus deiner Geschichte zu überprüfen, ist die Erstellung eines Animatics. Stell es dir als eine knochenbare, animierte Version deines Storyboards vor. Du lässt einfach jedes Panel in eine Video-Editing-Timeline fallen und synchronisierst es mit dem Audio des Skripts, einem schnellen Scratch-Voice-Over oder sogar Platzhalter-Musik.

Dieser einfache Schritt ist ein totaler Game-Changer. Er zeigt dir sofort, ob eine Szene zu lange dauert, ob das Timing eines Witzes flach fällt oder ob ein emotionaler Moment mehr Zeit braucht, um anzukommen. Ein Animatic schließt die Lücke zwischen Stillbildern und dem finalen Video und gibt allen ein echtes Gefühl für das Tempo des Projekts, bevor du je auf Aufnahme drückst.

Feedback effektiv sammeln und nutzen

Mit deinem Storyboard oder Animatic in der Hand ist es Zeit, dein Team zusammenzutrommeln. Deine Arbeit zu präsentieren, geht nicht nur darum, Bilder durchzublättern; es geht darum, alle durch die Geschichte zu führen und das „Warum“ hinter deinen kreativen Entscheidungen zu erklären. Sprich sie durch die Kamerawinkel, Charakterausdrücke und die spezifische Stimmung, die du in jeder Szene anstrebst.

Wenn das Feedback reinkommt, halte einen offenen Geist, aber scheue dich nicht, deine Kernvision zu schützen. Gutes Feedback ist vital, aber nicht jeder Vorschlag verbessert tatsächlich die Geschichte. Eine tolle Gewohnheit ist, Fragen zu stellen, die tiefer graben, um das Problem hinter einem Vorschlag zu finden, anstatt einfach die vorgeschlagene Lösung zu akzeptieren.

Zum Beispiel, wenn ein Kunde sagt: „Ich mag diese Nahaufnahme nicht“, könntest du fragen: „Kannst du mir mehr darüber erzählen, was diese Einstellung in dir auslöst?“ Das hilft dir, das eigentliche Problem aufzudecken – vielleicht fühlt sich die Einstellung zu intensiv oder klaustrophobisch an – und erlaubt dir, eine Lösung zu finden, die alle zufriedenstellt und der Geschichte dient.

Dein Projekt organisiert halten

Während Notizen reinkommen, wirst du unvermeidlich Änderungen vornehmen. Hier ist ein solides Versionskontrollsystem unverzichtbar. Es ist der einzige Weg, Chaos zu verhindern und sicherzustellen, dass alle die neueste Version ansehen.

Tipps für smarte Versionierung:

• Ein klares Namenssystem verwenden: Halte es einfach und konsistent, wie ProjectName_Storyboard_v1.0, v1.1 usw. Verwende große Nummernänderungen (v2.0) für große kreative Verschiebungen und kleine (v1.1) für Feinheiten.
• Ein Änderungsprotokoll führen: Im selben Dokument oder Ordner eine kurze Notiz machen, was in jeder Version geändert wurde. Das schafft eine klare Geschichte der Projektentwicklung und hält Stakeholder auf dem Laufenden.
• Deine Dateien zentralisieren: Ob es ein geteilter Cloud-Drive oder ein dediziertes digitales Storyboarding-Tool ist, habe eine einzige Quelle der Wahrheit. Dieser einfache Schritt verhindert, dass Teammitglieder versehentlich an einer alten, veralteten Datei arbeiten.

Dieser disziplinierte Ansatz zum Teilen, Feedback und Organisieren verwandelt den Storyboarding-Prozess von einer einfachen Zeichnungsübung in die professionelle Grundlage jeder erfolgreichen Videoproduktion.

Deine Storyboarding-Fragen beantwortet

Selbst nachdem du den Dreh mit Storyboarding raushast, kommen fast immer ein paar praktische Fragen auf. Lass uns die Luft klären bei einigen der häufigsten, damit du mit Vertrauen eintauchen und anfangen kannst zu kreieren.

Muss ich ein guter Künstler sein, um zu storyboarden?

Absolut nicht. Das ist wahrscheinlich der größte Mythos, der Leute davon abhält, es überhaupt zu versuchen.

Der ganze Sinn eines Storyboards ist klare Kommunikation, nicht künstlerische Perfektion. Stell es dir als Bauplan vor, nicht als Meisterwerk für eine Galerie. Einfache Strichmännchen, grundlegende Formen und ein paar Pfeile, um Bewegung zu zeigen, reichen normalerweise aus, um die Idee rüberzubringen. Wenn jemand dein Panel ansieht und versteht, was passieren soll, hast du deinen Job gemacht.

Zusätzlich kommen viele digitale Tools mit Bibliotheken vorgefertigter Charaktere und Objekte, sodass du ganze Szenen aufbauen kannst, ohne eine einzige Linie zu zeichnen.

Wie detailliert sollte mein Storyboard sein?

Das hängt wirklich von deinem Projekt und wem du arbeitest ab. Es gibt keine einzelne richtige Antwort.

Wenn du einen schnellen Social-Media-Clip allein machst, könnten ein paar grobe Skizzen der Hauptmomente alles sein, was du brauchst. Aber für einen detaillierten animierten Kurzfilm oder eine hochbudgetierte Werbung möchtest du viel mehr Informationen packen. Denk an spezifische Kamerawinkel, Notizen zu Beleuchtung, Objektivwahl und präzises Timing für Dialoge oder Soundhinweise.

Eine tolle Daumenregel: Füge genug Detail hinzu, dass jemand anderes dein Storyboard aufnehmen und deine Vision verstehen könnte, ohne dich alle fünf Minuten um Klärung bitten zu müssen.

Was ist der Unterschied zwischen einem Storyboard und einer Shot List?

Beide sind essenziell für eine reibungslose Produktion, aber sie dienen total unterschiedlichen Zwecken. Der einfachste Weg, darüber nachzudenken, ist, dass ein Storyboard visuell und kreativ ist, während eine Shot List technisch und logistisch ist.

• Ein Storyboard ist die visuelle Karte. Es ist eine Serie von Zeichnungen, die zeigt, was das Publikum sieht, Szene für Szene. Es geht um die Erzählung, Komposition und das Gefühl des Videos.

• Eine Shot List ist die technische Checkliste. Es ist ein Dokument für die Crew, das detailliert, wie jede Einstellung gefilmt wird – Einstellungsnummern, Kamera-Setups, Objektive und jedes spezielle Equipment, das benötigt wird.

Dein Storyboard beantwortet das „Was“ und „Warum“. Deine Shot List handhabt das „Wie“. Ein gut vorbereiteter Dreh verwendet immer beide.

Wie viele Panels für ein Ein-Minuten-Video?

Es gibt hier keine magische Zahl, weil alles auf dem Tempo beruht.

Eine schnelle, energiegeladene Werbung mit vielen Quick-Cuts könnte 20-30 Panels für nur eine Minute brauchen. Andererseits könnte ein langsameres, nachdenklicheres Stück mit langen, verweilenden Einstellungen nur 5-10 Panels benötigen.

Statt dich an einer spezifischen Anzahl aufzuhängen, folge diesem einfachen Prinzip: Erstelle ein neues Panel für jede neue Einstellung oder große Aktion. Jedes Mal, wenn sich der Kamerawinkel ändert oder ein Charakter etwas Wichtiges tut, ist das dein Signal, einen neuen Frame zu zeichnen. Das hält dein Storyboard perfekt im Einklang mit dem tatsächlichen Rhythmus deines Videos.

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